“El viento mueve al árbol, ¿pero que mueve al viento?” (2020)

Fomentando la experimentación a través de propuestas artísticas escultóricas, la exposición tiene lugar en la azotea de STUDIO BLOCK, una antigua fábrica de pantimedias, ahora dedicada a la escultura.

Por asociación del ensueño al error, a la rotura, la exposición aborda la dualidad inherente al proceso creativo y la deconstrucción de conceptos, obras, materiales. Eso conduce a una recomposición, una reconstrucción, a unos collages tridimensionales.

Concebido como una investigación de territorios de vacilación, como un frágil equilibrio teñido de áreas oscuras, las propuestas generan memoria, huellas. “Sueños rotos; para una arqueología contemporánea” cuestiona los fragmentos como generadores de nuevas formas.

En una búsqueda del ideal en la cual los sueños se rompen en contacto con la realidad, el ideal es una fuerza impulsora. El proceso de creación sería un vagar, una navegación de un ideal a un otro.

 

Fostering experimentation through sculptural artistic proposals, the exhibition takes place on the rooftop of STUDIO BLOCK, an old pantyhose factory, now dedicated to sculpture.

By association of the dream to error, to breakage, the exhibition addresses the duality inherent in the creative process and the deconstruction of concepts, works, materials. That leads to a recomposition, a reconstruction, to three-dimensional collages.

Conceived as an investigation of territories of hesitation, as a fragile balance dyed dark areas, the proposals generate memory, traces. “Broken dreams; for a contemporary archeology” questions the fragments as generators of new forms.

In a search for the ideal in which dreams break in contact with reality, the ideal is a driving force. The creation process would be a wander, a navigation from one ideal to another.

Cambios en el paisaje (2019)

Vista general / General view

“Timeless reflection” 2019, Plexiglass, 13 4/5 in diameter, 35 cm diameter

Piece presented at Armen Daguer Gallery, Guadalajara, Jalisco. Collective show “Cambios en el paisaje”, Nov. 2019

 

CAMBIOS EN EL PAISAJE

In the urban landscape there are many elements of it, such as road signs, advertisements, cars, people, trees or traffic lights, which give dynamism to the composition.

Just the opposite of the works of art that make up the exhibition “Changes in the landscape.” In this time where the glacial landscape becomes blurred of the cartographies of the natural order never anticipated, the pieces that make up this sample give us a space of freshness and beauty in the future of a more than terrifying panorama when looking at the cities and cities in Mexico and other countries.

Here where the idea of ​​the urban horizon conglomerates in a continuous super habitat that can only cut the scarce vision of human magnitude. The few we still enjoy looking at the passages of Dr. Atl and the immensity of places that still add to our roots of infinity in this cartography that is the human being, we cannot be oblivious to reality; consequently we are in a permanent adaptive process in which the truth of today replaces that of yesterday, trying to define the trends and the keys to future conflicts but not forgetting those of a past that can always return.

“We live in a constant and permanent state of change, from political and cultural, physical, to mental climatic changes. Our memories change over time and, among other things, these changes make us perceive a different landscape. ”He notes the introduction to this exhibition of 16 pieces and 15 Mexican artists and a Colombian artist who, in their creative reflection, grant the guideline to enter a timely dialogue of resonances and generous time facing the moment we live.

Presenting a show of any kind, and in particular a movie, especially if it was filmed in New York and the Twin Towers appeared, was not an easy thing in the weeks and months after the attacks of September 11, 2001. And, in another part 18 years later the particular funeral of the Swiss glacier Pizol, which has almost disappeared due to climate change, gives us the hard data to see that this is not an easy thing and that again the posture of the creative act is perhaps a last call for return to the self and within the center of the Being looking at space return on the first flight to utopian lands that remind us of the Beauty of Ethics from the trench of love to Life.

The same questions that the ancient inhabitants of the earth in front of the Altamira caves set and persist throw us the eternal question what is art for?

The answers and theories are infinite plus the contexts that are generating the questions at present are always bounded in an art that above all serves to live, and in this moment to live thus implies an immediate criticism of each action that sustains Life.

The battles in the peripheries of Latin American cities they are shortening the landscape in confrontations that border on telecommunications and the violent death to which the population has to hurry to integrate in their daily become after the search for daily work and the immanent forgetting of the human.

This sample reflects a good platform to get to the center of the critical spirit that precedes and is persistent in the Arts, this, of course if we allow ourselves the time to go beyond the decorative scope of objects and of marketing to enter into resonance with the confidence that the authors provide By choosing to create these pieces of critical awareness to understand your surroundings.

The guiding thread of the metamorphosis that delimits this sample is the golden key to generate narratives that may return us common sense against the hunger and voracity with which humanity is and the processes of modernity have already been undone.

The laudable dreams of this group of artists are perceived in plausible tones that despite all the barbarity restructure a mythical landscape and return us humanitarian attention in an intimate game of honesty by giving aesthetic records to the unethical appointment that we are already leaving To future generations.

However, these artists have the courage to portray and humbly show the enormous commitment that it is to create and thus from their precarious grain of sand leave testimony of their perception.

Even if at this time when almost everything seems evident and already done, each of the pieces is unique and authentic because of the great sound that the voices of a choir give that tune beyond any media show towards an important critical change sustained in the conceptual work away from a static Map what is the matter in its elementary particles.

V.G.
November 2019

 

En el paisaje urbano son muchos los elementos propios del mismo, como señales viales, anuncios publicitarios, coches, personas, árboles o semáforos, que dotan de dinamismo a la composición.

Justo lo contrario de las obras de arte que conforman la exhibición “Cambios en el paisaje.” En este tiempo dónde el paisaje glaciar se desdibuja de las cartografías del orden natural jamás previsto, las piezas que configuran esta muestra nos otorgan un espacio de frescura y belleza en el devenir de un panorama más que aterrador al mirar las ciudades y urbes en México y otros países.

Aquí donde la idea del horizonte urbanístico se conglomera en un continuo súper hábitat que poco puede más que cortar de golpe en golpe la visión escasa de la magnitud humana. Los pocos que aún gozamos al mirar los pasajes del Dr. Atl y la inmensidad de parajes que aún suman a nuestras raíces del infinito en esta cartografía que es el ser humano, no podemos ser ajenos a la realidad; consecuentemente nos hallamos en un permanente proceso adaptativo en el que la verdad de hoy sustituye a la de ayer, tratando de definir las tendencias y las claves de los conflictos futuros aunque sin olvidar los de un pasado que siempre puede volver.

“Vivimos en un constante y permanente estado de cambios, desde los cambios climáticos políticos y culturales, físicos, hasta mentales. Nuestros recuerdos se van modificando con el tiempo y entre otras cosas estos cambios hacen que vayamos percibiendo un paisaje distinto.” Acota la introducción a esta muestra de 16 piezas y 15 artistas mexicanos y una colombiana que en su reflexión creativa otorgan la pauta para entrar en un diálogo puntual de resonancias y tiempo generoso frente al momento que vivimos.

Presentar un espectáculo de cualquier tipo, y en particular una película, sobre todo si estaba filmada en Nueva York y aparecían las Torres Gemelas, no era cosa fácil en las semanas y meses posteriores a los ataques del 11 de septiembre del 2001. Y, en otra parte 18 años después el particular funeral del glaciar suizo Pizol, que casi ha desaparecido a causa del cambio climático, nos dan los datos duros para ver qué esto no es cosa fácil y que de nuevo la postura del acto creativo es quizás una última llamada para volver al sí mismo y dentro del centro del Ser mirando al espacio regresar en el primer vuelo a tierras utópicas que desde la trinchera del amor a la Vida nos recuerden la Belleza de la Ética.

Las mismas preguntas que los antiguos habitantes de la tierra frente a las cuevas de Altamira fijaron y persisten nos arrojan la eterna pregunta para qué sirve el arte?

Las respuestas y teorías son infinitas más los contextos que están generando los cuestionamientos en la actualidad se acotan siempre en un arte que ante todo sirva para vivir , y en este momento vivir implica así una crítica inmediata a cada acción que sustente la Vida.

Las batallas en las periferias de las ciudades de Latinoamérica van acortando al paisaje en confrontaciones que rozan con las telecomunicaciones y la mortandad violenta a la que la población tiene que apresurarse a integrar en su diario devenir tras la búsqueda del trabajo diario y el olvido inmanente de lo humano.

Esta muestra refleja una buena plataforma para orillarse al centro del espíritu crítico
que antecede y es persistente en las Artes , esto, por supuesto si nos otorgamos el tiempo para ir más allá del ámbito decorativo de los objetos y del mercadeo para entrar en resonancia con la confianza que brindan los autores al elegir crear estas piezas de conciencia crítica al entendimiento de su entorno.

El hilo conductor de la metamorfosis que acota esta muestra es la llave de oro para generar narrativas que quizás nos devuelvan el sentido común frente al hambre y la voracidad con la que está humanidad y los procesos de la modernidad han ya deshecho.

Los sueños loables de este grupo de artistas se perciben en plausibles tonos que a pesar de toda la barbaridad reestructuran un mítico paisaje y nos devuelven la atención humanitaria en un íntimo juego de honestidad al dar registros de estética a la cita poco ética que ya estamos dejando a las futuras generaciones .

Sin embargo estos artistas tienen la valentía de retratar y mostrar humildemente el enorme compromiso que es crear y así desde su precario granito de arena dejar testimonio de su percepción.

Aún si en esta época en la que casi todo parece evidente y ya hecho, cada una de las piezas es única y auténtica por el gran sonido que otorgan las voces de un coro que sintoniza más allá de cualquier espectáculo mediático hacia un importante cambio crítico sustentado en el el trabajo conceptual lejos de un Mapa estático cual es la materia en sus partículas elementales.

V.G.
Noviembre 2019

 

“Dos entidades / aproximación a un punto” (2019)

Installation view at I21 at Mexicalli B.C. México.

 

Installation view at Steppling Art Gallery at Calexico, Ca.

 

 

 

Installation view: “8 ways to reach the eternity” at Steppling Art Gallery at Calexico California USA.

Napoleón Aguilera, Isa Carrillo, Omar Guerra, Yeni Mao y Raúl Rebolledo

Reuniendo el trabajo de cinco destacados artistas: Napoleón Aguilera, Isa Carrillo, Omar Guerra, Yeni Mao y Raúl Rebolledo, Dos entidades / aproximación a un punto aborda de múltiples maneras las relaciones y las correspondencias establecidas desde el término «límite». A partir de la potencia delimitadora de un algo, de los márgenes y de los bordes de un espacio concreto como evanescente, del interior y su afuera, valdría la pregunta por los límites de este ejercicio curatorial enmarcado por los territorios de producción y exhibición propuesto por Artere-a arte contemporáneo para Steppling art gallery/University of San Diego (Calexico, EUA) y la galería i21 (Mexicali, México).

Ba / Ka de Isa Carillo (Guadalajara, 1982) explora la dimensión de los planos físicos y no físicos —etéreos, energéticos e invisibles— para la creación de una obra que es dividida en dos. En Steppling art gallery se exhibe el plano inmaterial: la dimensión de lo etérico, mientras que en la galería i21 el trabajo artístico se desdobla sobre una proyección. Carrillo retoma la iconografía del escarabajo como símbolo primordial para caracterizar el resurgimiento del espíritu que trasciende la materia. Ba, según la mitología egipcia, es la fuerza anímica del hombre, cuya función reside en mediar a los seres fallecidos entre el mundo de los dioses y la Tierra para reunirse con Ka, fuerza vital del espíritu humano. Omar Guerra (Guadalajara, 1970) en las obras 8 Ways to Reach the Eternety y Recordar es volver al corazón recurre a una técnica de visualización, activación y reprogramación descubierta y desarrollada por André Malby, un chamán francés. Dicha técnica consiste en la creación de un espacio dentro de la mente, donde el consciente e inconsciente se disuelven entre sí. Dentro de este espacio mental, Guerra ha encontrado formas de conexión consigo mismo y su fuero interno. Para la realización de sus obras, introduce la figura del colibrí —mensajero del alma— elemento que aparece recurrentemente dentro de este espacio virtual y que utiliza como vehículo para entablar comunicación con sus seres cercanos que coexisten en otros planos de la existencia.

Napoleón Aguilera (Guadalajara,1986) parte de una serie de reflexiones sobre las pugnas y los conflictos actuales alrededor de las políticas migratorias impuestas por países dominantes sobre países subdesarrollados. En Block hace uso de la medida estándar del elemento de construcción y que al ser activado por una corriente de aire, revela su vulnerabilidad. Raúl Rebolledo (Guadalajara, 1977) en la pieza Nosotros / El pueblo hace referencia a la introducción de la constitución de los EUA. En el territorio de Estados Unidos de Norte Americana (Steppling art gallery) —mismo que alguna vez fue suelo mexicano— coloca un acrílico dorado que dice «Nosotros» donde el espectador se verá reflejado. En México (i21) exhibe un acrílico transparente, apenas perceptible que se funde y donde se lee «El Pueblo».

La posición geográfica de sus obras no es gratuita, sino política. Yeni Mao (Guelph, 1971) elabora maquetas de los espacios de los sótanos todavía existentes de La Chinesca en Mexicali donde cuestiona las fórmulas empleadas para su construcción arquitectónica. A pesar de la distancia que puede llegar a separar al conjunto de obras que conforman esta exposición, las obras se aproximan y se tocan. En Dos entidades… las obras no son el límite de sí mismas, sino el territorio donde el arte comienza.

Marco Valtierra, septiembre 2019.

 

Two entities / one point approach

Napoleón Aguilera, Isa Carrillo, Omar Guerra, Yeni Mao and Raúl Rebolledo

Gathering the work of five leading artists: Napoleón Aguilera, Isa Carrillo, Omar Guerra, Yeni Mao and Raúl Rebolledo, Two entities / approach to a point addresses multiple ways relationships and correspondences established from the term «limit». From the delimiting power of something, the margins and the edges of a specific space as evanescent, inside and outside, would be worth the question for limits of this curatorial exercise framed by the territories of production and exhibition proposed by Artere-a contemporary art for Steppling art gallery / University of San Diego
(Calexico, USA) and the i21 gallery (Mexicali, Mexico).

Ba / Ka by Isa Carillo (Guadalajara, 1982) explores the dimension of the physical planes and not physical – ethereal, energetic and invisible – for the creation of a work that is divided into two. In Steppling art gallery the intangible plane is displayed: the dimension of the etheric, while in the gallery i21 the artistic work is unfolded on a projection. Cheek retakes the iconography of the beetle as a primary symbol to characterize the resurgence of the spirit that transcends matter. Ba, according to Egyptian mythology, is the mood of man, whose function lies in mediating dead beings among the world of the gods and the Earth to meet with Ka, vital force of the human spirit. Omar Guerra (Guadalajara, 1970) in works 8 Ways to Reach the Eternety and Remember is to return to heart resorts to a visualization, activation and reprogramming technique discovered and developed by André Malby, a French shaman. This technique consists in the creation of a space within the mind, where the conscious and unconscious dissolve each other. Within this mental space, Guerra has found ways of connecting with himself and his jurisdiction internal. For the realization of his works, he introduces the figure of the hummingbird – a messenger of the soul— element that appears repeatedly within this virtual space and that uses as a vehicle to establish communication with their close beings that coexist in others planes of existence.

Napoleón Aguilera (Guadalajara, 1986) starts from a series of reflections on the struggles and current conflicts around migration policies imposed by dominant countries on underdeveloped countries. In Block it makes use of the standard measure of the element of construction and that when activated by an air current, reveals its vulnerability. Raul Rebolledo (Guadalajara, 1977) in the piece We / The people refers to the introduction of the constitution of the USA. In the territory of the United States of North America(Steppling art gallery) – same as once Mexican soil – places a golden acrylic that says “We where the viewer will be reflected”. In Mexico (i21) it exhibits a transparent acrylic, barely noticeable that melts and where it reads “The People”.

The geographical position of his works is not free, but political. Yeni Mao (Guelph, 1971) develops models of the spaces of the still existing basements of La Chinesca in Mexicali where he questions the formulas used for its architectural construction. Despite the distance that can separate the set of works that make up this exhibition, the works approach and touch. In Two entities … the works are not the limit of themselves, but the territory where art begins.

Marco Valtierra, September 2019.

“8 ways to reach the eternity” Completed video.

“This is the garden of eden” (2019)

“Caelum et terram” Aluminum screed, leds installation. 300 cm diameter.

“Caelum et terram” Aluminum screed, leds installation. 300 cm diameter.

 

 

 

 

“Bajo la via láctea” (2019)

In some cultures, the Milky Way is associated with roads, for example, the Vikings believed it led to Valhalla, destination of the souls of the dead, while the Celts claimed that it was headed to the castle of the queen of fairies. In other cases, as in the Chinese and Japanese allegories, they refer to it as a river of celestial silver. The Mexicas or Aztecs and other Mesoamerican cultures believed that it was the god Mixcoatl (Serpent of cloud) that meandered through the night sky, god of hunting, of dreams and jailer of the star monsters.

En algunas culturas la vía láctea está asociada a caminos, por ejemplo, los Vikingos creían que llevaba al Valhala, destino de las almas de los muertos, mientras que los Celtas aseguraban que se dirigía al castillo de la reina de las hadas. En otros casos, como en las alegorías chinas y japonesas, se refieren a ella como un río de plata celestial.  Los mexicas o aztecas y otras culturas mesoamericanas creían que era el dios Mixcoátl (Serpiente de nube) que serpenteaba por el cielo nocturno, dios de la cacería, de los sueños y carcelero de los monstruos estelares.

Lo invisible no es oscuro ni misterioso, es transparente (2019)

A pesar de ser considerado unánimemente una de las figuras más influyentes para la evolución del arte contemporáneo internacional, es posible advertir un malentendido muy generalizado con respecto a Marcel Duchamp y su obra: casi siempre se le indica como el iconoclasta por excelencia y como padre intelectual del arte conceptual, sin embargo, con demasiada frecuencia se tiende a omitir que Duchamp fue, antes que todo, un artista eminentemente VISUAL.

Su compromiso fundamental estuvo siempre enfocado en el comportamiento visual de sus objetos e intervenciones (y no en la idea detrás de la imagen, como tanto se ha insistido en señalar). De hecho, Duchamp investigó los alcances de la representación pictórica desde muy temprana edad, habiendo vivido gran parte de ese periodo sumergido en el corazón mismo de la vanguardia parisina de inicios del s.XX (años en los que también se desempeñó ocasionalmente como dibujante de tiras cómicas para algunos periódicos).

Ahora bien, el malentendido mencionado inicialmente encuentra su origen en la siguiente paradoja: para Duchamp lo más relevante de la visualidad fue siempre lo invisible. Bien podría afirmarse que su fascinación por aquello -por los contenidos implícitos de la imagen- se había manifestado ya en obras tan tempranas como el dibujo “Lámpara colgante a gas” (1903), la pintura “Retrato de jugadores de ajedrez” (1911) o la tira cómica “L’accident” (1909): en esta última, un puñado de personas se levantan súbitamente de las gradas de un hipódromo, sobresaltadas por algo que parece haber ocurrido -justo hace unos instantes- fuera de cuadro…

A lo largo de su carrera, Duchamp fue haciéndose cargo progresivamente de aquella tierra de nadie existente entre la imagen artística y la mente del espectador, y dedicó sus esfuerzos a colonizar ese territorio por medio de la seducción y el misterio. Más allá de la radicalidad de sus operaciones visuales -y muchas veces, de la parquedad de las mismas- Duchamp fue principalmente un creador de “sistemas”, y como él mismo alguna vez se denominó, un administrateur: un administrador –curatorial- de su propio trabajo y de cómo éste habita el mundo. De la simultaneidad y la multiplicidad de los roces entre obra y realidad.

En otro plano, un segundo malentendido, tal vez tan recurrente como el primero, es que el trabajo de Marcel Duchamp es “antiacadémico”; en efecto, es posible que en algún momento lo haya sido, pero hace cien años, ya que en estos tiempos actuales su legado constituye probablemente la academia más consolidada dentro del arte contemporáneo. Los artistas en esta exposición han asumido esto último y parten de esa base: de la gran diversidad de derroteros explorados por Duchamp, y de la habilitación de los múltiples senderos por los que transitamos muchos artistas visuales de hoy.

Por lo pronto, al menos dos recursos reconocidamente duchampeanos atraviesan las piezas en esta muestra: por un lado, la subterránea omnipresencia del humor sutil (y sus desplazamientos a través de la descontextualización), y por el otro, lo que Duchamp llamaba lo “inframince” (o infrafino, o infraleve). Es decir, según sus propias palabras, el rastro que deja la ausencia; o bien, las energías desperdiciadas: un dibujo al vapor de agua, el aliento vital sobre superficies pulidas (vidrio, espejo, piano), el crecimiento del cabello y de las uñas, la caída de las lágrimas, los vómitos, la eyaculación, el estornudo, el remolino o pelo rebelde, los desmayos, los bostezos.

Es en esta perspectiva que resulta pertinente establecer ciertas correspondencias y sincronías entre las piezas de esta exposición y algunas obras de Marcel Duchamp. Desde luego, las propuestas de Zazil Barba, Omar Guerra o Raúl Rebolledo parecen hacer eco de piezas como “Aire de Paris” (1919), “Para mirar (el otro lado del vidrio), con un ojo, de cerca, durante casi una hora” (1917), “Estereoscopía a mano” (1918-1919), o “A Guest + a Host = a Ghost” (1963).

También en las piezas de Sofía Cruz, Daniel Navarro, Sofía Echeverri y Ramiro Ávila podemos encontrar guiños a “3 Stoppages Étalon” (1913), “Bouche-évier” (1964), “Ready-made con ruido secreto” (1916), “With My Tongue in My Cheek” (1959), “La puerta Gradiva” (1937) y “A la manera de Delvaux” (1942), respectivamente.

Por último, la constante obsesión duchampeana por el movimiento circular continuo e hipnótico, esencial en piezas como “Rueda de bicicleta” (1913), “Obligaciones para la Ruleta de Montecarlo” (1924), o los “Rotoreliefs” (1935), encuentra una variante místico-religiosa en la animación digital de Lino Vite, del mismo modo que Julien Delvaux parece estar revisitando las nociones de obstrucción y de objeto sagrado presentes en “Cuña de castidad” (1954) y “Hoja de parra hembra” (1950).

Cristián Silva

Chile, enero de 2019

 

 

Despite being unanimously considered one of the most influential figures for the evolution of international contemporary art, it is possible to notice a widespread misunderstanding regarding Marcel Duchamp and his work: he is almost always indicated as the iconoclast for excellence and as an intellectual father of conceptual art, however, too often tends to be omitted that Duchamp was, above all, an eminently VISUAL artist.

His fundamental commitment was always focused on the visual behavior of his objects and interventions (and not on the idea behind the image, as much has been insisted on pointing out). In fact, Duchamp investigated the scope of pictorial representation from an early age, having lived much of that period immersed in the very heart of the Parisian avant-garde of the early twentieth century (years in which he also occasionally worked as a cartoonist comics for some newspapers).

Now, the initially mentioned misunderstanding finds its origin in the following paradox: for Duchamp, the most relevant aspect of visuality was always the invisible. It could well be said that his fascination with that -the implicit contents of the image- had already manifested in works as early as the drawing “Hanging lamp to gas” (1903), the painting “Portrait of chess players” (1911) or the comic strip “L’accident” (1909): in the latter, a handful of people suddenly rise from the stands of a racecourse, startled by something that seems to have happened-just a few moments ago-out of the box … Throughout his career, Duchamp gradually took over that no-man’s land between the artistic image and the mind of the spectator, and dedicated his efforts to colonize that territory through seduction and mystery. Beyond the radicality of his visual operations – and often, the paucity of them – Duchamp was mainly a creator of “systems”, and as he himself was once called, an administrator: an administrator-curatorial of his own work and how it inhabits the world. Of the simultaneity and the multiplicity of frictions between work and reality.

On another level, a second misunderstanding, perhaps as recurrent as the first, is that Marcel Duchamp’s work is “anti-academic”; In fact, it is possible that at some point it was, but a hundred years ago, since in these times his legacy is probably the most consolidated academy in contemporary art. The artists in this exhibition have assumed the latter and start from that base: from the great diversity of paths explored by Duchamp, and from the enabling of the multiple paths through which many visual artists of today travel.

For now, at least two resources admittedly Duchampeans cross the pieces in this exhibition: on the one hand, the subterranean omnipresence of subtle humor (and its displacements through decontextualization), and on the other, what Duchamp called “inframince” “(Or infrafino, or infraleve). That is, according to his own words, the trace left by the absence; or, wasted energy: a drawing of water vapor, vital breath on polished surfaces (glass, mirror, piano), the growth of hair and nails, the fall of tears, vomiting, ejaculation, Sneezing, swirling or rebellious hair, fainting, yawning.

It is in this perspective that it is pertinent to establish certain correspondences and synchronies between the pieces of this exhibition and some works by Marcel Duchamp. Of course, the proposals of Zazil Barba, Omar Guerra or Raúl Rebolledo seem to echo pieces like “Aire de Paris” (1919), “To look (the other side of the glass), with one eye, up close, during almost a hora “(1917),” Stereoscopy by hand “(1918-1919), or” A Guest + a Host = a Ghost “(1963). Also in the pieces by Sofía Cruz, Daniel Navarro, Sofía Echeverri and Ramiro Ávila we can find nods to “3 Stoppages Étalon” (1913), “Bouche-évier” (1964), “Ready-made with secret noise” (1916), “With My Tongue in My Cheek” (1959), “The Gate Gradiva” (1937) and “In the manner of Delvaux” (1942), respectively. Finally, the constant Duchampean obsession with the continuous and hypnotic circular movement, essential in pieces such as “Rueda de bicicleta” (1913), “Obligaciones para la Rouleta de Montecarlo” (1924), or the “Rotoreliefs” (1935), finds a mystical-religious variant in the digital animation of Lino Vite, in the same way that Julien Devaux seems to be revisiting the notions of obstruction and sacred object present in “Wedge of chastity” (1954) and “Leaf of female vine” (1950) .

Cristián Silva

Chile, enero de 2019

“El futuro no es una región absoluta” (2018)

It has been confirmed in recent years that DNA components have been found in extraterrestrial meteorites. A team of scientists also discovered a series of molecules linked to an ancient and vital biological process, which adds weight to the idea that the earliest forms of life on Earth may have been formed in part from materials sent to the Earth. Earth from space. These pieces make reference in the first place, the theory of the unfolding of the time of the physicist Jean Pierre Garnier, the concept of time / space (intervals) and the order of life on the planet.

Se ha confirmado en los últimos años que componentes del ADN se han encontrado en meteoritos extraterrestres. Un equipo de científicos también descubrió una serie de moléculas vinculadas con un proceso biológico antiguo y vital, lo que le agrega peso a la idea de que las formas más tempranas de vida en la Tierra pueden haberse formado en parte a partir de materiales enviados a la Tierra desde el espacio. Estas piezas hacen referencia en primer lugar, la teoría del desdoblamiento del tiempo del físico Jean Pierre Garnier, el concepto de tiempo/espacio (intervalos) y el origen de la vida en el planeta.

“Simoultaneus realities” (2018)

This piece is part of a project in development called “From the eternity to here” and speaks of the origin of the universe and therefore of life as well as the different theories about time.

 

Esta pieza es parte de un proyecto en desarrollo llamado “From the eternity to here” y habla del origen del universo y por ende de la la vida así como las distintas teorías acerca del tiempo.

“I was, I am and I will be” (2018)

This piece is part of a project in development called “From the eternity to here” and speaks of the origin of the universe and therefore of life as well as the different theories about time.

 

Esta pieza es parte de un proyecto en desarrollo llamado “From the eternity to here” y habla del origen del universo y por ende de la la vida así como las distintas teorías acerca del tiempo.

“The continuous and eternal present” (2018)

According to certain ways of looking at the world, the only thing that truly exists is the present moment. In this view, the past does not exist (the past is only a set of memories, which we can only access in the present moment) and the future does not exist (the future is only a set of expectations, which we can only think about in the present moment). The present moment is effectively timeless. The present moment when you read this word is no different from the present moment when you read this word; even though you have a memory of reading one before the other, the reading of both are now only memories, that you can only access those memories now, in this present moment. So because this ongoing, ever-onrolling present moment is effectively timeless, people tend to speak of it as eternal.

Según ciertas formas de ver el mundo, lo único que realmente existe es el momento presente. Desde este punto de vista, el pasado no existe (el pasado es solo un conjunto de recuerdos, a los que solo podemos acceder en el momento presente) y el futuro no existe (el futuro es solo un conjunto de expectativas, que solo podemos pensar en el momento presente). El momento presente es efectivamente atemporal. El momento presente cuando lee esta palabra no es diferente del momento presente cuando lee esta palabra; aunque tenga un recuerdo de haber leído uno antes del otro, la lectura de ambos son ahora solo recuerdos, a los que solo puede acceder a esos recuerdos ahora, en este momento presente. Entonces, debido a que este momento presente continuo y siempre continuo es efectivamente atemporal, las personas tienden a hablar de él como eterno.

“Exploring the way” (2018)

This piece is part of a series of three that produced as a result of the action presented during the opening of the piece “Moving Souls”, seeking to emphasize the dimensions that extend and multiply in each of the densities. It is worth mentioning that this piece and said action are derived from the series entitled “Displacings”.

 

Esta pieza es parte de una serie de tres que produje a raíz de la acción presentada durante la inauguración de la pieza “Moving Souls”, buscando hacer énfasis en las dimensiones que se extienden y se multiplican en cada una de las densidades. Cabe mencionar que esta pieza y dicha acción se derivan de la serie titulada “Displacings”.

“Phases” (2018)

This piece is related to the physicist J. Garnier’s theory about the unfolding of planetoids in space, from that research I have been making a series of paintings that represent different geometric shapes seen as stars in the middle of unfolding processes.

Esta pieza se relacionan con la teoría del físico J.P Garnier sobre el desdoblamiento de planetoides en el espacio, a partir de esa investigación he venido realizando una serie de pinturas que representan diversas formas geométricas vistas como astros en medio de procesos de desdoblamiento.

“Return of king” (2018)

This piece is related to the physicist J. Garnier’s theory about the unfolding of planetoids in space, from that research I have been making a series of paintings that represent different geometric shapes seen as stars in the middle of unfolding processes.

Esta pieza se relacionan con la teoría del físico J.P Garnier sobre el desdoblamiento de planetoides en el espacio, a partir de esa investigación he venido realizando una serie de pinturas que representan diversas formas geométricas vistas como astros en medio de procesos de desdoblamiento.

Dedoublement / Present (2018)

As part of the splitting theory and comments of J.C. Garnier, he mentions that the present is not only being affected by the past but also by the future. Based on that comment last year create a method to make these paintings, in which I draw a composition that I call past, I leave it a couple of months, after having the result of the first composition, I make a second composition based specifically on the negative space of the first one I am calling it future, finally I take a fraction of each of the compositions and mix them to generate the final composition that I call Present and this is what I use as a study to make the final painting.

 

Como parte de la teoría del desdoblamiento y comentarios del propio J.C. Garnier, él menciona que el presente no solo está siendo afectado por el pasado sino también por el futuro. En base a ese comentario cree el año pasado un método para realizar estas pinturas, en las cuales dibujó una composición a la que le llamó pasado, la dejo un par de meses, después de tener el resultado de la primer composición , realizó una segunda composición basada específicamente en el espacio negativo de la primera y a esta la llamo futuro, por último tomó una fracción de cada una de las composiciones y las mezcló para generar la composición final a la cual le llamo Presente y es esta la que utilizó como estudio para realizar la pintura final.

“Accident” (1996-2018)

Piece made as part of a series of interventions in 1996 in the city of New York, which consisted of creating sculptures in situ with materials found on the street, this piece was made with broken glass from a car accident just happened .

Pieza realizada como parte de una serie de intervenciones en el año 1996 en la ciudad de Nueva York, las cuales consistían en crear esculturas in situ con materiales encontrados en la calle, esta pieza fue realizada con vidrio roto proveniente de un accidente automovilístico acabado de ocurrir.

“Equilibrium of things” (2018)

In Geometry

The exuberant geometry of Platonic solids, and their significant attributes of geometric, aesthetic, symbolic, mystical and cosmic nature, has fascinated all civilizations, from the Neolithic peoples to our days. The polyhedra are the core of the Pythagorean cosmogony of Plato’s Timaeus that associates them with the composition of the basic natural elements, theory of mystical-philosophical order that will have a decisive influence on the polyhedral cosmology of Kepler.

In mysticism

The Tetrahedron is the symbol of wisdom and manifestation. Its element is fire and is associated with the Solar Plexus Chakra. The Cube or Hexaedron is the symbol of the connection with life and nature, confirming our purposes on the physical plane. Its element is earth and is associated with the Root Chakra. The octahedron is the symbol of integration, of the perfection of matter by the spirit. Its element is air and is associated with the Heart Chakra. The Icosahedron is the symbol of transformation, of the shape of the universe and male power. Its element is water and is associated with the second Chakra called Splenic that is located in the navel. The Dodecahedron is the symbol of the ascension, the feminine power of creation and the Mother Gaia form, it is the fifth element: the Ether and it is associated with the upper Chakras: fifth, sixth and seventh.

This exhibition was presented at Forum 17 in the city of Guadalajara in September 2018.

 

En la Geometría

La exuberante geometría de los sólidos platónicos, y sus significativos atributos de naturaleza geométrica, estética, simbólica, mística y cósmica, ha fascinado en todas las civilizaciones, desde los pueblos neolíticos hasta nuestros días. Los poliedros son el núcleo de la cosmogonía pitagórica del Timeo de Platón que los asocia con la composición de los elementos naturales básicos, teoría de orden místico-filosófico que tendrá una decisiva influencia en la cosmología poliédrica de Kepler.

En el misticismo

El Tetraedro es el símbolo de la sabiduría y la manifestación. Su elemento es el fuego y se asocia con el Chakra del Plexo Solar.El Cubo o Hexaedro es el símbolo de la conexión con la vida y la naturaleza, ratifica nuestros propósitos en el plano físico. Su elemento es la tierra y se asocia con el Chakra Raíz.El Octaedro es el símbolo de la integración, de la perfección de la materia por el espíritu. Su elemento es el aire y se asocia al Chakra Cardíaco.El Icosaedro es el símbolo de la transformación, de la forma del universo y del poder masculino. Su elemento es el agua y se asocia con el segundo Chakra llamado Esplénico que se ubica en el ombligo.El Dodecaedro es el símbolo de la ascensión, del poder femenino de la creación y la forma Madre Gaia, es el quinto elemento: el Ether y se asocia con los Chakras superiores: quinto, sexto y séptimo.

Esta exposición se presentó en el Foro 17 de la ciudad de Guadalajara en Septiembre del 2018.